Face-à-face

La soprano italo-suisse Laurence Guillod se produit régulièrement sur les scènes internationales, tant à l’opéra qu’en concert. Son parcours l’a menée au Teatro Massimo Bellini de Catane, au Concertgebouw de Amsterdam, à l’Opéra de Toulon, ainsi qu’en Suisse au TheaterBasel, à l’Opéra de Lausanne, à l’Opéra de Fribourg, au Casino de Bâle, au Victoria Hall. Elle est invitée en 2020 par l’Orchestre National de Lyon pour une série de concerts à l’Auditorium de Lyon, dirigés par Ben Glasberg, ainsi que par l’orchestre des Cameristi della Scala di Milano, pour interpréter la MatthäusPassion sous la baguette de Wilson Hermanto.

Elle aborde avec succès les rôles de Ilia (Idomeneo, Mozart), Adina (L’Elisir d’amore, Donizetti), Juliette (Roméo et Juliette, Gounod) et Marguerite (Faust, Gounod), de Violetta Valéry (Traviata, Verdi), Micaela (Carmen, Bizet), Donna Elvira (Don Giovanni, Mozart). Plus récemment, elle fait ses débuts dans les rôles pucciniens de Liù (Turandot, Puccini), puis les rôles de Tosca et Mimì (la Bohème).

Laurence interprète fréquemment le répertoire religieux, notamment le Requiem de Brahms au Victoria Hall de Genève, le Requiem de Fauré au Concertgebouw de Amsterdam, la Messe en mib de Schubert à la Salle de Musique de la Chaux-de-Fonds, la Messe en ut de Mozart, le Stabat Mater et Petite Messe solennelle de Rossini. 

Elle s’adonne également avec bonheur à l’art du récital, et collabore avec les pianistes Christian Favre, Riccardo Bovino, Edward Rushton, au Festival Lied et Mélodies de Genève, dans la saison Stimmen zu Gast du Liestal entre autres, où elle aborde les répertoires romantique et post-romantique. 

Laurence Guillod a travaillé avec des chefs tels John Nelson, James Gaffigan, Andrea Marcon, Roberto Rizzi-Brignoli, Antonio Pirolli, Axel Kober, Facundo Agudin, Wilson Hermanto, Cyril Diederich, Gabriel Feltz et les metteurs en scène Jérôme Deschamps, Omar Porras, Bruno Ravella, David Bösch, Elmar Goerden, Benedikt von Peter.

Diplômée au plus haut niveau de la Haute Ecole de Musique de Lausanne, Laurence obtient le prix Max Jost récompensant de brillantes études et passe ensuite une saison au sein de l’Opéra Studio de Bâle. Elle reçoit plusieurs récompenses dont une bourse de la Fondation Colette Mosetti et un prix d’études du Pour- cent culturel Migros, et gagne le prix spécial Claudio Abbado ainsi que le deuxième prix du Concours international Umberto Giordano (IT).

Né en Italie, Valerio Contaldo grandit en Valais. Diplômé en guitare classique au Conservatoire de Sion, il intègre la classe de Gary Magby à la Haute Ecole de Musique de Lausanne, où il obtient un diplôme de concert. Finaliste du concours Bach de Leipzig en 2008, il a suivi les masterclasses de Christa Ludwig, Julius Drake et David Jones.

Il s’est produit en concert notamment au Carnegie Hall de New York, au Musikverein de Vienne, aux festivals de Beaune, Ambronay, à la Mozartwoche de Salzbourg, aux Folles Journées de Nantes, Bilbao, Varsovie et Tokyo et à l’opéra, sur les scènes de l’Opéra de Paris, du Théâtre des Champs Elysées, des théâtres de Bienne/Soleure, de l’Opéra de Nice, de l’Opéra de Bordeaux, du Teatro La Fenice de Venise, ainsi qu’aux Festivals d’Edimbourg et d’Aix-en-Provence.

Lors des dernières saisons, il a eu la chance d’interpréter le rôle titre dans L’Orfeo de Monteverdi, avec Concerto Italiano (R. Alessandrini) à Barcelone, Adelaide, Shanghai et Pékin, ainsi qu’avec la Cappella Mediterranea (L. García Alarcón) à Bruxelles, Amsterdam, Rotterdam, Paris (Festival Saint-Denis), et en tournée en Amérique du Sud (Teatro Colón de Buenos Aires, Rio de Janeiro, São Paulo).

Récemment, on a aussi pu l’entendre à l’Opéra de Bordeaux et à l’Opéra Comique dans Mârouf, Savetier du Caire de Henri Rabaud, ainsi que dans une version de Iván Fischer de L’Orfeo de Monteverdi, à Budapest, Vicenza et Genève ou encore dans la 9ème symphonie de Beethoven et dans la Création de Haydn à la Fondation Gulbenkian de Lisbonne, sous la direction de Leonardo García Alarcón.

A l’Opéra de Dijon, il chante le rôle de Diomede dans La Finta Pazza de Sacrati en 2019.

Parmi ses engagements entre 2021 et 2023, signalons: l’Evangeliste dans la Matthäus Passion de Bach, le rôle titre dans Il ritorno di Ulisse in patria de Monteverdi à l’Opera Royal de Versailles ou encore Morphée dans Atys de Lully au Grand Théâtre de Genève.

Il travaille sous la direction de chefs tels que: Marc Minkowski, Rinaldo Alessandrini, Michel Corboz, John Nelson, Ton Koopman, William Christie, Gabriel Garrido, Leonardo Garcìa Alarcòn, Philippe Pierlot, Stephan MacLeod, Jean-Marc Aymes, Laurent Gay…

Ses réalisations discographiques comprennent: L’Orfeo de Monteverdi avec La Cappella Mediterranea (Alarcòn/ Alpha), Il Ritorno di Ulisse in Patria de Monteverdi (Fuget / CVS) la Messe en si mineur de Bach avec Gli Angeli Genève (MacLeod / Claves) il Settimo Libro de’ Madrigali di Monteverdi (Alessandrini / Naïve), ou encore Dafne in Lauro de Fux avec l’ensemble Zefiro (Bernardini/Arcana), tous salués par la critique.

Depuis ses succès au concours d’Evian en 1985 et au concours Borciani à Reggio Emilia en 1987, le Quatuor Sine Nomine, établi à Lausanne (Suisse), mène une carrière internationale qui le conduit dans les principales villes d’Europe et d’Amérique, notamment à Londres (Wigmore Hall), à Amsterdam (Concertgebouw) , à New York (Carnegie Hall), ou encore au Mozarteum de Salzburg . Parmi les personnalités qui ont marqué les quatre musiciens, il faut citer Rose Dumur Hemmerling, qui leur a communiqué sa passion et les a sensibilisés à la grande tradition du quatuor à cordes, le Quatuor Melos ainsi que Henri Dutilleux, dont la rencontre, lors de l’enregistrement de son œuvre Ainsi la Nuit chez Erato, a été particulièrement enrichissante.

La vie de l’ensemble s’enrichit constamment grâce à des collaborations régulières avec d’autres musiciens. Des liens étroits se sont noués avec quelques quatuors, dont le Quatuor Vogler à Berlin et le Quatuor Carmina à Zurich.

Le Quatuor Sine Nomine possède un vaste répertoire, de Haydn au 21e siècle, sans négliger des œuvres moins jouées comme l’octuor d’Enesco. Il a créé plusieurs œuvres contemporaines qui lui sont dédiées. À part les grands classiques (l’intégrale de Schubert chez Cascavelle et celle de Brahms chez Claves), les quatuors d’Arriaga et des œuvres de Turina (aussi chez Claves), sa discographie comprend également les quintettes pour piano de Furtwängler (Timpani) et de Goldmark (CPO).

Parallèlement au quatuor, chaque membre développe une intense activité pédagogique dans les Hautes Ecoles de la région (Hemu, hem Ge). De plus, le quatuor assure la direction artistique de l’Orchestre des Jeunes de la Suisse Romande depuis 2012.

Le Quatuor bénéficie du soutien de la Ville de Lausanne et de l’État de Vaud. Depuis 1994, l’Association des Amis du Quatuor Sine Nomine contribue au développement de sa carrière, notamment à l’étranger. L’ensemble est fondateur et directeur artistique du Festival Sine Nomine depuis sa création en 2001.

Le Quatuor Sine Nomine a choisi d’être appelé “sans nom” pour symboliser son désir de servir tous les compositeurs et les oeuvres qu’il interprète.

Daniel Reuss étudie la direction chorale auprès de Barend Schuurman au Conservatoire de Rotterdam. En 1990, il succède à Jan Boeke à la tête de la Cappella Amsterdam, dont il devient le directeur artistique. Parallèlement, il dirige le RIAS Kammerchor de Berlin de 2003 à 2006, puis le Chœur Philharmonique d’Estonie de 2008 à 2013. Réunissant ce dernier et Cappella Amsterdam, il enregistre deux disques : Golgotha de Frank Martin (nominé en 2010 pour le Grammy de la meilleure performance chorale), ainsi que le Stabat Mater et les Sept Répons de Ténèbres de Poulenc en 2014. Avec Cappella Amsterdam, il se voit décerner en 2017 le prix «Edison Klassik » pour Kanon Pokajanen d’Arvo Pärt. De 2015 à 2019, il a été le directeur artistique de l’EVL avant d’en devenir chef invité principal.

Fondé en 2007 par le tromboniste Jean-Marc Daviet et le percussionniste Jean-Marie Paraire, le Lemanic Modern Ensemble est le résultat de l’envie des deux musiciens de défendre les répertoires moderne et contemporain.

Dès ses débuts, l’Ensemble s’entoure de personnalités reconnues de la scène internationale pour assurer la direction musicale. Le chef et compositeur William Blank rejoint le LME peu après sa création, puis Pierre Bleuse lors de la saison 2016-2017 jusqu’en 2022-2023. Depuis septembre 2023, ce poste est assuré par Dylan Corlay.

Ensemble transfrontalier basé entre Annemasse et Genève, le Lemanic Modern Ensemble se produit aussi bien à domicile – au Victoria Hall, à l’Auditorium Ansermet, à la Comédie de Genève, au Conservatoire de Musique de Genève ou à l’Auditorium d’Annemasse –  que dans des lieux plus éloignés comme la Médiathèque du Valais à Sion, le Grand-Théâtre d’Aix-en-Provence, l’IRCAM ou l’Abbaye de Royaumont, entre autres.

Reconnu pour ses interprétations et sa maîtrise du répertoire contemporain, le Lemanic Modern Ensemble est invité par de nombreux festivals parmi lesquels figurent le festival Archipel à Genève, la Biennale Musique en scène du Grame à Lyon, la Shanghai New Music Week, la Biennale de Venise, le Festival d’Avignon ou l’International New Music Festival de Saint-Pétersbourg.

Également ardent défenseur de la création, l’Ensemble est régulièrement amené à travailler avec des compositeurs dont Michael Jarrell, Tristan Murail, Yann Robin, Sofia Avramidou, Hanspeter Kyburz, Hugues Dufourt, Ivan Fedele, Luis Naón, Aka Nakamura ou encore Daniel Arango-Prada, Premier Prix de composition du Concours de Genève, pour n’en citer que quelques-uns.

Bénéficiant d’un rayonnement grandissant, l’Ensemble travaille avec des chefs tels que Jean Deroyer, Julien Leroy, Bruno Mantovani, Martin Matalon, Jurjen Hempel ou Pascal Rophé et des solistes comme les violonistes Diana Tishchenko, Svetlin Roussev et Tedi Papavrami, l’altiste Christophe Desjardins, le violoncelliste Éric-Maria Couturier, les pianistes Lorenzo Soulès et Cédric Pescia, le flûtiste Emmanuel Pahud et les chanteuses Véronique Gens, Clémence Tilquin, Marina Viotti ou Cristina Branco, mais aussi l’acteur Carlo Brandt, la comédienne Fanny Ardant et le comédien et chanteur Lambert Wilson.

Soliste internationalement reconnu pour ses interprétations exceptionnelles et la vaste exploration de la musique de chambre avec certains des meilleurs musiciens d’aujourd’hui, Marc Coppey est considéré comme l’un des meilleurs violoncellistes au monde et sa réputation de chef d’orchestre ne cesse de grandir sur les podiums internationaux.

Protégé de Yehudi Menuhin et de Mstislav Rostropovitch, Marc Coppey a remporté à 18 ans le 1er Prix et le Prix de la meilleure interprétation de Bach au prestigieux concours Bach de Leipzig en 1988.
Peu après, il a fait ses débuts à Paris et à Moscou en collaboration avec Yehudi Menuhin et Victoria Postnikova (captation vidéo réalisée par Bruno Monsaingeon) avant de se produire au Festival d’Evian sur invitation personnelle de Mstislav Rostropovitch.

Depuis, la carrière internationale de Marc Coppey a connu une formidable trajectoire et il collabore régulièrement avec de grands noms de la direction : Alain Altinoglu, Lionel Bringuier, Lawrence Foster, Alan Gilbert, Kirill Karabits, Emmanuel Krivine, John Nelson, Pascal Rophé, Yan Pascal Tortelier, Yutaka Sado…

L’étendue du répertoire de Marc Coppey témoigne également de sa profonde curiosité musicale et il a donné plusieurs créations mondiales de concertos : Jacques Lenot, Marc Monnet, Eric Tanguy tout en assurant les premières françaises d’œuvres d’Elliott Carter, Bruno Mantovani et Erkki-Sven Tüür.
D’autres compositeurs (Lera Auerbach, Christophe Bertrand, Hugues Dufourt, Frédéric Durieux, Ivan Fedele, Philippe Fénelon, Philippe Hurel, Michael Jarrell, Betsy Jolas, Frank Krawczyk, Philippe Leroux, François Meïmoun, Brice Pauset, Enno Poppe, Thierry Pécou, Michèle Reverdy, Johannes Maria Staud et Frédéric Verrières) lui ont aussi dédié des œuvres.

Parmi ses engagements, en tant que soliste, les plus marquants récents et à venir, nous pouvons notamment citer : l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, l’Orchestre Philharmonique de Radio-France, l’Orchestre Symphonique National de la Radio Polonaise, l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg, l’Orquestra Sinfónica do Porto de Casa et l’Orchestre Philharmonique du Kansai.

En qualité de chef d’orchestre, Marc Coppey collabore régulièrement avec la Deutsche Kammerakademie et l’Orchestre Royal de Chambre de Wallonie mais aussi avec les Zagreb Soloists dont il a été le Directeur Musical.

En 2021, Marc Coppey a été l’artiste en résidence de l’Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música et à leurs côtés il a interprété les concertos d’Henri Dutilleux (avec John Storgårds), de Dvořák (avec Vassily Sinaisky), d’Elgar (avec Michael Sanderling) de Wolfgang Rhim (avec Peter Rundel) et aussi le 1er de Chostakovitch (avec Stefan Blunier).

Marc Coppey est également un chambriste passionné (ancien membre du Quatuor Ysaÿe de 1995 à 2000) et il collabore régulièrement avec des pianistes de renommée internationale : Nelson Goerner, Stephen Kovacevich, Kun-Woo Paik, Maria-João Pires et François Dumont ainsi qu’avec des instrumentistes à cordes de premier plan tels qu’Ilya Gringolts, Vadim Gluzman, Viktoria Mullova, Alina Pogostkina et Lawrence Power mais aussi avec le flûtiste Emmanuel Pahud.

La discographie de Marc Coppey est particulièrement riche et pour le label Audite Classics, l’année 2021 a vu la sortie des concertos de Chostakovitch avec l’Orchestre Symphonique de la Radio Polonaise sous la direction de Lawrence Foster et en 2022 sont parus deux CD : l’un dédié à Kodály et l’autre au violoncelle français avec l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg dirigé par John Nelson.
Ces trois albums ont reçu des critiques exceptionnelles, plaçant Marc Coppey sur un pied d’égalité avec les plus grands violoncellistes de l’histoire.
D’autres enregistrements ont aussi été acclamés par la critique (Diapason d’Or, « Choc » du Monde de la Musique et 4 « ffff » de Télérama) pour son enregistrement du Concerto pour violoncelle de Dutilleux avec l’Orchestre Philharmonie Royal de Liège et Pascal Rophé. Marc Coppey a également beaucoup enregistré pour les labels Accord/Universal, Aeon/Outhere, Decca, Harmonia Mundi, K617, Mirare et Naïve et on peut aussi le retrouver dans des captations Arte.tv et Medici.tv.

Passionné par la transmission aux futures générations, Marc Coppey enseigne au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et il est régulièrement invité à donner des masterclasses à travers l’Europe, l’Asie et l’Amérique du Nord et du Sud.
Depuis octobre 2020, il est le directeur artistique de l’Académie Saline Royale d’Arc-et-Senans, centre d’enseignement de la musique nouvelle à la pointe de la technologie en France.

Marc Coppey joue sur un violoncelle de Matteo Gofriller (Venise, 1711), connu sous le nom de « Van Wilgenburg ».

Trompette, piano, guitare, contrebasse, harmonica, ondes Martenot, claquettes, basson : Dylan Corlay cultive l’art des rencontres depuis son plus jeune âge !

Tout au long de ses années de formation (il est notamment titulaire de quatre prix du CNSM de Paris) et de ses expériences scéniques, il tisse son avenir de chef d’orchestre. Avant de remporter, en 2015, le 6e Concours international de direction Jorma Panula, il aura fait ses preuves en tant que trompettiste dans un groupe de reggae, bassoniste au sein d’orchestres prestigieux ou encore professeur, improvisateur, compositeur et comédien.

Au cours des dernières saisons, il a été invité à diriger l’Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Ensemble lntercontemporain, l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, l’Orchestre National d’Île-de-France, l’Orchestre de chambre de Paris, le Joensuu City Orchestra en Finlande, l’Orchestre symphonique de Berne, l’Orchestre de Chambre de Lausanne…

Ses prestations de chef sur des productions lyriques ont été saluées par les musiciens et la critique en particulier à l’Opéra de Francfort pour Les Troyens de Berlioz. Il collabore régulièrement avec Les Frivolités Parisiennes (Le Testament de la Tante Caroline et Le Diable à Paris). Il est convié à diriger des projets unissant orchestre symphonique et artistes de jazz ou de musiques actuelles tels que Bireli Lagrène, André Ceccarelli, Mélody Gardot, Matthieu Chedid, Sanseverino…  Depuis 2018, il dirige l’Orchestre Philharmonique de Radio France pour le projet « Hip-Hop Symphonique »   à la Maison de la Radio. Dylan Corlay est animé par la volonté de créer de véritables moments de communion artistique. En présence des spectateurs, face aux musiciens de l’orchestre ou auprès des étudiants, ses aspirations restent immuables – échanger, transmettre, fédérer.

En 2019, Dylan Corlay crée son Concerto pour Pirate avec l’Orchestre Victor Hugo Franche-Comté. Dans ce spectacle qu’il a imaginé et composé, il est comédien, musicien, chef d’orchestre, sound-painter et pirate. Ce projet est réalisé en co-production avec l’Orchestre National des Pays de la Loire, l’Orchestre national de Metz et l’Orchestre Philharmonique de Radio France.

En 2021, il crée « Tour d’orchestre à bicyclette » avec l’Orchestre de l’Opéra de Tours : un concert­ spectacle animé par un répertoire d’une étonnante diversité mêlant arrangements musicaux, jonglage, claquettes…  Pour chaque représentation, Dylan Corlay se déplace en vélo sur le lieu du concert et partage le voyage avec les cyclistes motivés de chaque ville accueillant le spectacle.

Dans le cadre des manifestations culturelles liées aux Jeux Olympiques et Paralympiques 2024, le projet « Tour d’Orchestre(s) à Bicyclette » a pour ambition de mobiliser et fédérer des musiciens et des sportifs sur l’ensemble du territoire métropolitain, autour d’une pratique sportive – le cyclisme – et d’un type de musique – la musique symphonique – dans le cadre d’un événement populaire et inclusif.

Amoureux des sons, avide de travail, passionné de partage… Insatiable !

En associant traditions et explorations nouvelles des matières sonores, les œuvres de Nicolas Bolens investissent l’espace en valorisant les éléments et les sujets qui se présentent à lui.

Sa musique est régulièrement liée à d’autres éléments : textes, films, lieux, évocations… Dans chaque contexte, il recherche une dramaturgie authentique favorisant des mises en situations inédites.

Ainsi avec l’ensemble Batida il imagine Welcome to the Castle (2017), trois actes musicaux pour des musiciens se déplaçant dans le château des Allymes près d’Amberieu-en-Bugey.

Pour le quatuor Gémeaux il écrit La Ville Oblique (2013), quatuor à cordes conçu comme une extension musicale au court métrage Un Chien Andalou de Dali et Buñuel.

La parole écrite, la plupart du temps poétique, arpente l’ensemble de sa production. Il a composé sur des poèmes de Celan, Sachs, Mallarmé, Char, Blok, Khayyam, Michaux, Eluard, Basho, Neruda, Rilke, Adonis, Shakespeare… Ces auteurs, de temps et d’origines diverses, l’ont conduit à intégrer de nombreuses langues dans ses œuvres considérant leurs potentiels sonores autant que sémantiques.

L’orchestration occupe également une place importante, repensant ainsi l’instrumentarium de certaines œuvres du passé. En 2018 il réorchestre les Lieder eines fahrenden Gesellen et la 4^ème symphonie de Gustav Mahler pour le Lemanic Modern Ensemble sous l’impulsion du chef d’orchestre Pierre Bleuse.

Commandée par l’association Ouverture Opera, sa récente réécriture de La Flûte Enchantée de Mozart s’inscrit dans la même démarche.

Nicolas Bolens a notamment collaboré avec l’ensemble Batida, le Lemanic Modern Ensemble, les Swiss Chamber Soloists, l’Ensemble Vocal de Lausanne, l’Ensemble Vocal Polhymnia, l’Ensemble Vortex, les Basler Madrigalisten, l’Ensemble Vocal Séquence…

Né à Genève, il étudie dans un premier temps le piano au Conservatoire de sa ville natale, puis complète sa formation dans la classe de composition de Jean Balissat. Il se perfectionne ensuite auprès de Rudolph Kelterborn, Klaus Huber, Edison Denisov et Eric Gaudibert. Il est lauréat de nombreux prix de composition, dont ceux de l’Orchestre de Chambre de Lausanne (1993) et de la Banque Cantonale Neuchâteloise (2002), ainsi que boursier de la fondation Leenaards (1998).

Pédagogue et artiste engagé, il enseigne le contrepoint, l’écriture du XXe siècle et la composition à la Haute École de Musique de Genève, et s’investit dans plusieurs institutions liées à la création musicale en Suisse, dont l’Association Suisse des Musiciens, l’Association du festival Archipel, la Fondation Nicati-de-Luze, et le Conseil artistique du concours de Genève.

Artiste insatiable, fort d’une discographie de plus d’une vingtaine de disques, il dédie plusieurs années de sa vie à l’œuvre d’un compositeur, s’entoure des plus beaux chambristes pour, le plus souvent, en graver une intégrale. En 2016, il enregistre chez Aparte l’intégrale des sonates pour violon et piano de Beethoven avec Romain Descharmes. En 2018, parait le premier volume d’une intégrale de la musique de chambre de Gabriel Fauré avec Simon Zaoui et Raphaël Merlin. Il se lance également avec le quatuor Strada, Eric Lesage, Florent Pujuila, Adrien Boisseau…dans le projet insensé de jouer toute la musique de chambre de Brahms. L’intégrale parait chez B-Records au cours des saisons 2018 à 2021. Au printemps 2020 parait son enregistrement des octuors de Schubert et de Raphaël Merlin aux côtés notamment de Nicolas Baldeyrou, David Guerrier ou encore Marc Desmons.

Enfant prodige, Pierre Fouchenneret obtient à 16 ans son premier prix de violon et de musique de chambre au CNSM de Paris dans les classes d’Olivier Charlier et de Daria Hovora, et remporte ensuite le Grand Prix du Concours International de musique de chambre de Bordeaux, le Grand Prix Georges Enesco de la Sacem, et devient lauréat de la fondation Natixis et artiste associé de la Fondation Singer Polignac.

Invité sur les scènes du monde entier, l’« archer hors norme » (Le Figaro) qu’est Pierre Fouchenneret est rapidement amené à jouer avec des musiciens d’exception tels que le Fine Art Quartet, Jean-François Heisser, Jean-Frédéric Neuburger, Zongh Xu, Julien Leroy, Nicolas Angelich…et fonde en 2013 le Quatuor Strada avec Sarah Nemtanu, Lise Berthaud et François Salque.

Artiste gourmand et complet Pierre Fouchenneret est reconnu par les orchestres français et internationaux pour son audace et sa vision du répertoire. Il a notamment été invité par l’Orchestre de la Suisse Romande, le Suzhou Symphony Orchestra, l’Orchestre National de Bordeaux, le Philarmonique de Brno, le Philharmonique de Nice, le Baltic de Saint Petersbourg, l’Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine. Pédagogue réputé, Pierre Fouchenneret enseigne à la Haute école de musique de Genève.

Loïc Vallaeys est un jeune pianiste franco-péruvien. Il commence le piano à l’âge de 4 ans, et a étudié tant en France qu’au Pérou.

À 13 ans, il est admis au Conservatoire National de Musique du Pérou où il obtient 3 années de suite le premier prix de sa catégorie, tous instruments confondus.

Après avoir obtenu son diplôme de fin d’études au Conservatoire, Loïc part à Genève pour continuer de se perfectionner auprès de Nelson Goerner à la Haute école de musique. Actuellement diplômé d’un Bachelor, il poursuit ses études en Master de Soliste à la HEM toujours auprès du même professeur.

Il a été lauréat du Prix Dominique Weber en mars 2023, un prix destiné à des jeunes pianistes talentueux étudiant en Suisse. Cette même année, il a également reçu le prix Adolphe Neuman de la Ville de Genève, décerné à un étudiant particulièrement méritant des classes de piano, violon ou violoncelle de la HEM. En juin 2024, il devient lauréat de la Bourse Marescotti en obtenant le prix spécial du festival Puplinge Classique.

Loïc s’est produit en tant que soliste au Pérou en jouant des concerti de Bach, Mozart et le Capriccio Brillante de Mendelssohn. Plus récemment à Genève, il a eu la possibilité de jouer en solo au Palais de l’Athénée, à l’Église Luthérienne, à la Cité Bleue ou encore au Temple de Carouge lors de différents festivals. Il a également donné un récital à l’Église du Lieu lors des Rencontres Culturelles de la Vallée de Joux.

En plus de sa carrière de soliste, Loïc a également donné plusieurs concerts en tant que chambriste, un genre qui lui tient tout particulièrement à cœur. Il a notamment joué en duo, trio, quatuor, et quintette, du répertoire allant de Haydn à la musique contemporaine, en passant par W.A. Mozart, Schubert, R. Schumann, Brahms, Smetana, Fauré, Rachmaninov, G. Mahler, Dora Pejacevic, ou Marc Eychenne, entre autres.

Arthur Noël est un pianiste français de 23 ans, étudiant actuellement à la HEM de Genève en 1ère année de Master en interprétation musicale dans la classe de Cédric Pescia. Auparavant, il a étudié au CRR de Paris dans la classe de Jérôme Granjon, où il a obtenu son diplôme d’études musicales (spécialisé en piano) à l’unanimité en 2018, puis dans la classe de Fabrizio Chiovetta à la HEM de Genève où il obtint son diplôme de Bachelor en 2024. Il a également travaillé avec Brigitte Bouthinon-Dumas, Anne Queffélec, Philippe Cassard et Bernard D’Ascoli lors de cours particuliers et de masterclasses.

Finaliste du concours international de piano Merci Maestro à Bruxelles en 2018, 1er prix du concours de piano Lavaux Classic en 2022 et prix spécial de l’Association Dominique Weber en 2023, il a joué à plusieurs reprises dans l’église de Noyers-Sur- Serein pendant le Festival Les Rencontres musicales de Noyers, à Nancy pendant les Académies internationales d’été, à Tanger, au Maroc, dans plusieurs concerts privés (nombreux concerts à la Salle Davel à Cully, Hôtel des Trois Couronnes à Vevey, Salle des Abeilles à Genève, Théâtre des Rendez-Vous d’Ailleurs à Paris, Théâtre Le Regard du Cygne à Paris, Théâtre du Passage à Neuchâtel, Suisse) et pour des concerts de charité (concerts à l’hôpital Gustave Roussy, concert pour l’association de Monsieur Vincent et pour l’association de Dominique Weber). Il s’est également produit comme accompagnateur et comédien dans la pièce Rosa et Bianca, une production du Grand Théâtre de Genève, en 2022 et en 2023. Il a également composé un opéra en Anglais, “The Muse Calls”, qui fut créé le 21 Juin 2024 à la HEM de Genève, sur le site de Neuchâtel.

Figure du mouvement hip-hop depuis le début des années 1990, le chorégraphe Mourad Merzouki inscrit son travail au carrefour de multiples disciplines. Autour de la danse hip-hop explorée dans tous ses styles, se greffent le cirque, les arts martiaux, les arts plastiques, la vidéo et la musique live. Sans perdre de vue les racines du mouvement, ses origines sociales et géographiques, cette confrontation permet d’ouvrir de nouveaux horizons à la danse et dégage des points de vue inédits.

Après avoir créé sa première compagnie Accrorap en 1989 avec Kader Attou, Éric Mezino et Chaouki Saïd, il décide en 1996 de développer son propre univers artistique en fondant sa compagnie Käfig, « cage » en arabe et en allemand. Depuis, il a créé 40 pièces dont la diffusion ne cesse de s’élargir. Au total, plus de 2 millions de spectateurs ont découvert les créations de sa compagnie lors de 4 000 représentations en France et à l’étranger, soit à travers 65 pays.

À la direction du Centre chorégraphique national de Créteil et du Val-de-Marne de 2009 à 2022, il développe un projet artistique tout à la fois ouvert sur le monde et ancré sur le territoire. Il crée des ponts avec le projet mené à Pôle en Scènes à Bron, dont il est conseiller artistique depuis 2016, mettant en synergie le Centre chorégraphique Pôle Pik et l’Espace Albert Camus. Sur ces territoires, il pilote deux festivals jumeaux, Karavel et Kalypso, offrant un large espace de visibilité aux compagnies de danse hip-hop. En janvier 2023, après 13 années à la tête du CCN de Créteil, il ré-installe la compagnie Käfig dans l’Est lyonnais, à Bron et à Saint-Priest, renouant avec le territoire qui l’a vu grandir.

Kader Belmoktar débute la danse hip-hop en 1993 avec le groupe Culture Street, puis rejoint Zoro Henchiri et Traction Avant en 1997. Mourad Merzouki lui propose en 1999 la reprise du rôle de Frank II Louise dans le spectacle Récital. Il poursuit cette collaboration comme danseur dans Pas à Pas (2000), Dix Versions (2001), Corps est graphique (2003), Terrain Vague (2006), Tricôté (2008), Yo Gee Ti (2012), Pixel (2014), Cartes Blanches (2016) et Vertikal (2018). Son travail avec le chorégraphe évolue vers une plus grande complicité qui l’amène à l’assister dans son travail de création pour Terrain Vague (2006), Tricôté (2008), Agwa (2008), 7Steps (2014), Phénix (2022) et Beauséjour (2024). Kader complète sa démarche artistique par le biais de la transmission, animant de nombreux ateliers.

Après un BTS d’éclairagiste sonorisateur et quatre années comme régisseur dans des théâtres lyonnais, il signe ses premières créations lumières en 1994 et œuvre dans de nombreux domaines artistiques : musique, théâtre, expositions, événementiel… Pour la danse, il travaille notamment avec Inbal Pinto Dance Company, Frank II Louise, Bob.H Ekoto, Question, Pilobolus, Entre Nosotros et signe, depuis 1996, toutes les créations lumières de la compagnie Käfig. Co-fondateur du Groupe Moi, il a participé aux créations de toutes les performances et assure, en parallèle, la régie générale et lumière des tournées des créations sur lesquelles il a collaboré. Il occupe le poste de directeur technique de plusieurs compagnies.

Après un cursus en architecture du paysage, Benjamin Lebreton poursuit une formation en scénographie à l’École Nationale des Arts et Techniques du Théâtre de Lyon. Diplômé en 2005, il travaille en France et à l’étranger comme scénographe pour la danse, notamment avec Mourad Merzouki avec qui il collabore depuis 2006 sur chacune de ses créations, ou plus récemment avec Maguy Marin. Pour le théâtre, il conçoit des décors pour Phillipe Awat, Catherine Heargreave, Thomas Poulard, David Mambouch… En Allemagne, il a réalisé la scénographie de la création Songe d’une nuit d’été de W. Shakespeare au StaatTheater de Wiesbaden. En parallèle, il exerce l’activité de graphiste participant à la création des visuels de la compagnie Käfig ou à la signalétique de plusieurs grands bâtiments.

Né à Milan, en Italie, Marco Ramelli est un artiste aux intérêts divers, englobant les rôles de guitariste, compositeur, chercheur, conférencier et directeur artistique.

Marco s’est produit dans le monde entier en tant que guitariste, se produisant dans des salles importantes en tant que soliste et chambriste. Son parcours artistique a été marqué par plusieurs réalisations, dont les premiers prix de concours internationaux en Italie, en Espagne, au Royaume-Uni, en France et en Serbie et l’enregistrement de plusieurs albums pour Brilliant Classics, Nimbus et Naxos.

Élargissant ses horizons vers la composition, Marco a acquis une reconnaissance internationale grâce au prix « World Guitar Composition Competition » en Serbie pour sa pièce « Im Nebel, hommage à Kengiro Azuma ». Ses compositions sont jouées dans le monde entier, interprétées par des solistes célèbres tels que Sean Shibe, Andrea Dieci, Lorenzo Micheli et Andrea De Vitis.

La collaboration est la pierre angulaire du parcours artistique de Marco. Il a entretenu des associations durables avec d’autres compositeurs contemporains, ce qui a donné lieu aux premières de plusieurs compositions qui lui sont dédiées. Les études de Marco l’ont conduit à un doctorat en arts du spectacle de l’Université de St Andrews et du Royal Conservatoire of Scotland (Royaume-Uni). En tant que chercheur dévoué, il partage ses connaissances à travers des conférences et des conférences dans des universités prestigieuses du monde entier, et il est un fervent promoteur de la recherche artistique à travers l’organisation de conférences.

Au-delà de ses performances, Marco est une force motrice dans l’éducation musicale et la promotion de la musique. Il est directeur artistique de festivals de musique renommés en Italie et en Irlande et est un professeur de guitare dévoué, inspirant la prochaine génération de musiciens. Il a créé plusieurs projets pour promouvoir la musique classique et soutenir les jeunes interprètes, tels que le projet TouchTheSound, Residenze Erranti et le Festival Corde d’Autunno, tous engagés à enrichir la communauté musicale de la guitare.

La passion de Marco pour le partage des connaissances s’étend à son rôle de conférencier au Conservatoire TU de Dublin en Irlande et à travers des masterclasses et des conférences.

Le Chœur Suisse des Jeunes attribue deux bourses à de jeunes chef.fe.s de chœur suisse.sse.s âgé.e.s de 19 à 24 ans. Les assistant.e.s travaillent en collaboration étroite avec le directeur musical Nicolas Fink. Ils / Elles portent également la responsabilité de la gestion des membres et de la communication interne. Le poste d’assistant.e au Chœur Suisse des Jeunes prépare les jeunes chef.fe.s de chœur à leur vie professionnelle après leurs études. Une des conditions pour postuler en tant qu’assistant.e est d’effectuer des études supérieures (de préférence en direction de chœur).

Lea (1999*) a grandi à Lucerne. Elle suit actuellement un master en « musique à l’école » et en direction chorale auprès d’Ulrike Grosch à la Haute École de Musique de Lucerne (HSLU). Lea dirige le chœur « inkognito » à Lucerne et co-dirige le Chœur des Jeunes d’Appenzell. De plus, elle chante régulièrement avec le « Collegium Vokale zu Franziskanern » et l’ensemble vocal « The Quire ». À partir de décembre 2023, elle dirigera avec Chiara Selva le chœur de chambre « Molto Cantabile » à Lucerne.

Lydiane est originaire du canton de Vaud et chante au CSJ depuis 2021. Après avoir obtenu un bachelor en musique à l’école à l’HEMU de Lausanne, elle étudie actuellement la musicologie à l’Université de Fribourg et enseigne la musique à l’école de La Tour-de-Peilz. En tant que cheffe de chœur, elle suit la formation continue CH2 proposée par l’Union Suisse des Chorales, dirige le chœur d’enfants “Croc’notes” à Attalens et le chœur de jeunes « Canta Riviera », basé à Vevey, qu’elle a fondé en 2023.

Né en 1984, Pierre-Fabien Roubaty entame son apprentissage musical en étudiant le piano au Conservatoire de Fribourg tout en découvrant le monde du chant à la maîtrise de Villars-sur-Glâne. En 2006, il se lance dans la direction chorale en fondant le chœur Arsis, qu’il dirige toujours avec passion. À la tête de cet ensemble principalement dédié à la musique des XVIIIème et XIXème siècles, il s’illustre dans l’interprétation des grandes œuvres du répertoire d’oratorio, couronné par la victoire au Concours Choral de Fribourg en 2011.

Pierre-Fabien Roubaty a eu le privilège d’apprendre auprès de maîtres de renom pendant ses études à la Haute Ecole de Musique de Lausanne, notamment Marc Pantillon, Todd Camburn et Anthony di Giantomasso. Il a ensuite poursuivi ses études en direction d’orchestre à la Hochschule der Künste de Berne, bénéficiant des enseignements précieux de Florian Ziemen et Ralf Weikert. 

Comme chef de choeur ou répétiteur, il a préparé des chœurs et des solistes pour de nombreuses productions d’opéra et d’oratorio et rencontre à ces occasions de nombreux musiciens de renom, tels que Michel Corboz, Jean-Claude Malgoire, Raphaël Pichon, Marc Minkovski, Daniel Reuss, Christa Ludwig ou encore Ramón Vargas. 

En septembre 2019, Pierre-Fabien Roubaty a été nommé directeur artistique et musical de l’Ensemble Vocal de Lausanne. Sous sa direction, l’ensemble a porté à la scène des projets exceptionnels, notamment les commémorations des 100 ans du Roi David d’Arthur Honegger, la création de l’oratorio Splendor de Théo Flury, et des prestigieuses performances dans le cadre de la Folle Journée de Nantes. Il a également dirigé l’ensemble lors de sa participation au Festival Via aeterna au Mont-St-Michel, à l’occasion du millénaire de cet emblématique site.

En 2024, Pierre-Fabien Roubaty aura l’honneur d’être le chef invité à la fois de l’Apollo Chorus de Chicago et du chœur de la fondation OSESP de São Paulo.

Stephan MacLeod est né à Genève et a étudié le chant dans sa ville natale, à Cologne puis à Lausanne. Sa carrière de concertiste a commencé pendant ses études en Allemagne par une fructueuse collaboration avec Reinhard Goebel et Musica Antiqua Köln. Depuis, il a chanté et chante régulièrement avec des chefs tels que Leonhardt, Herreweghe, Savall, Suzuki, Kuijken, Corboz, Brüggen, Kossenko, Pierlot, Luks, Mortensen, Harding, Junghänel, Rademann, Pichon, Van Immerseel, Coin, Rilling, Van Nevel et Bernius. Il est fondateur et chef de l’Ensemble Gli Angeli Genève qui donne une trentaine de concerts chaque année dans le monde entier, et il est régulièrement invité à diriger d’autres ensembles (OSR, Philharmonie Zuidnerderland, Nederlandse Bachvereniging, etc.). Plus de 100 CD, dont de nombreux primés par la critique, documentent son travail. Il a été professeur de chant à la Haute Ecole de Musique de Lausanne de 2013 à 2023 et l’est depuis septembre dernier à la Haute Ecole de Musique de Genève.